Henry Mancini (1924-1994)

Compositor estadounidense de música para cine, jazz y de influencias latinas. Es reconocido por la música que lo hizo acreedor a un Grammy: La Pantera Rosa y por su colaboración en las comedias de Blake Edwards, en la que destaca la canción Moon River (Desayuno con diamantes). Inclusive fue el creador de los temas de varias series de televisión como La pantera rosa, Remington Steele, El pájaro espino o Peter Gunn, entre otras.

Henry comenzó a interesarse en la música desde los 12 años, iniciando en el piano y dentro pocos años comenzó a interesarse por los arreglos. Pero su necesidad de profundizar en sus conocimientos lo condujo hasta Max Adkins, director y arreglista de la orquesta del Stanley Theatre de Pittsburgh.

Poco después de graduarse en la Aliquippa High School, en el otoño de 1942, Mancini se matriculó en la Juilliard School of Music; más su aislamiento en 1943 interrumpió sus estudios. Sirvió en las fuerzas aéreas y después en infantería. Tras su licenciamiento, en 1945 se unió como pianista arreglista a la orquesta de Glenn Millar y Tex Beneke. Allí conoció a su esposa, Ginny O’Connor; una cantante. Se casaron en Hollywood en 1947 y se trasladaron a Holmby Hills, en California, con su hijo Chris y sus hijas Mónica y Felice.
En 1952 comenzó a trabajar en el cine en películas de serie B de los estudios Universal bajo las órdenes del director del departamento musical Joseph Gershenson. En estos años. Manzini, junto con Hans J. Salter y Herman Stein, todos músicos de la Universal, trabajaron sin cansancio con el fin de crear una gran cantidad de material que posteriormente sería usado y reutilizado en múltiples películas. Esta primera etapa de Manzini se caracteriza por un sonido sinfónico y atonal.

En 1958 firmó su primer trabajo como solista, pues sólo había figurado como coautor, adaptador, orquestador o, en ocasiones, sin ser acreditado. Este título fue la conocida obra maestra de Orson Welles Sed de Mal (Touch of Evil, 1958). Con esta obra, Mancini comenzó a definir su personalidad musical: jazz interpretado bajo una pequeña orquesta.

Esta melodía atrajo la atención del director Blake Edwards quien lo contrató para hacer la música de su serie de televisión Peter Gunn, para la cual Manzini creó un tema que se ha utilizado en multitud de películas, por ejemplo en Granujas a todo ritmo (The Blues Brothers, 1980) o Waterworld (1995). Este álbum vendió más de un millón de copias. Además de dos premios Grammies en 1958.

Alcanzó su máxima popularidad en los años 60, gracias a las películas de Edwards (La pantera rosa, Desayuno con diamantes, Días de vino y rosas y otras), pero también por su colaboración con otros grandes directores como Stanley Donen (Arabesco, Charada y especialmente Dos en la carretera) o Howard Hawks (Hatari!, Su juego favorito). En esta década Mancini aporta otras de sus señas de identidad: el coro mixto, que interpreta el tema principal de la película.

Se puede decir que es el primer compositor cinematográfico más conocido por el público que transcendió la pantalla debido a su preocupación y esmero por las ediciones discográficas de sus partituras, las cuales eran regrabadas para la explotación comercial sin que ello perjudicara su calidad.

Se dedicó a la televisión por las décadas de 1970 y 198, en ese tiempo creó temas muy conocidos como los de las series Hotel y Remington Steele. Ganó un Óscar en 1982 por su comedia musical Victor Victoria sumando cuatro en total, dado que ganó dos por Desayuno con diamantes (mejor canción y mejor partitura original) y otro por Días de vino y rosas (Days of Wine and Roses, 1962). Además de ganar 20 premios Grammy.

Hasta sus últimos años, Mancini siguió creando joyas musicales, algunas no lo suficientemente valoradas como Lifeforce (1985), Basil, el ratón superdetective (Adventures of the Great Mouse Detective) para los estudios Disney o Tom y Jerry (1992) otro film de animación. Curiosamente, en estas obras Mancini vuelve a sus raíces más sinfónicas.

Henry Mancini, una de las pocas y auténticas figuras de la música de cine, falleció en 1994 víctima de un cáncer de hígado y páncreas, dejando un inconmensurable legado musical.

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Cenobio Paniagua

El músico y compositor mexicano fue considerado el padre de la ópera romántica en México. Nació el 30 de octubre de 1821 en Tlalpujahua, Michoacán, sus primeros estudios musicales los realizó bajo la dirección de su tío, Eusebio Vázquez, quien dirigía la orquesta de la Catedral de Morelia y le impartió sus primeras clases de violín. Desde muy temprana edad, el músico demostró inquietud por conocer todos los instrumentos que integraban las orquestas pueblerinas. En su adolescencia estudió la ejecución de varios instrumentos y composición en Toluca, Estado de México, además, durante esta época creó sus primeras piezas de salón. Alentado por sus primeros triunfos, el músico decidió encaminar sus aspiraciones rumbo a la Ciudad de México. Tras varios intentos fallidos por recibir cátedra de José Antonio Gómez, decidió estudiar por su cuenta mediante métodos extranjeros en diversos idiomas. Posteriormente, Paniagua tuvo la iniciativa de crear su primera ópera, y al no haber libretos ni libretistas, tomó uno de Félix Romani, libretista de Bellini, y dio vida a su primera obra, titulada Catalina de Guisa, estrenada el 29 de septiembre de 1859, la cual fue dedicada al general Miguel Miramón. El éxito que obtuvo con su primer obra lo animó a crear una academia de música, en dicho instituto se crearon obras como Cleotilde de Coscenza, de Octaviano Valle; Adelaida y Comingio, de Ramón Vega; Atala, Agorante, rey de Nubia y La reina de las hadas, de Miguel Meneses. Además de Romeo y Julieta e Ildegonda, de Melesio Morales, las cuales fueron representadas en su compañía, la primera empresa operística mexicana. En 1863 se le acusó de plagiario, pues se decía que su obra Catalina di Guisa era una copia de una obra italiana llamada Marcos Visconti, compuesta en 1855. Al parecer los críticos olvidaron que Paniagua había compuesto su obra 10 años antes. Los éxitos de Paniagua continuaron por largo tiempo, no obstante, cuando decidió salir a Cuba comenzaron los fracasos, su compañía se disolvió, y fue entonces cuando el compositor decidió instalarse en Córdoba, Veracruz, donde murió el 2 de noviembre de 1882.

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Conlon Nancarrow (1912-1997)

Fue un compositor mexicano de origen estadounidense. Entre 1933 y 1936 estudió con Walter Piston y Roger Sessions, entre otros. Las composiciones instrumentales de las décadas de 1930 y 1940 mostraron un interés por la complejidad rítmica, que lo condujo en 1947 a abandonar la composición vocal y dedicarse al órgano electrónico, instrumento que le permitía interpretar muchas notas simultáneas a cualquier ritmo, creando una música virtuosa fuera del alcance de cualquier pianista. Su música se caracterizó por el uso de la polifonía basada en estratos de tempos distintos. Nancarrow ha escrito más de 60 estudios para órgano electrónico. Como forma musical exploró el “canon” que desarrolló con una enorme variedad de formas y un tempo diferente para cada voz. Su trabajo puede dividirse en tres periodos: obras anteriores al piano mecánico, obras para piano mecánico y obras posteriores al piano mecánico. Nancarrow trabajó como trompetista de jazz en la década de 1930, por lo que en su obra se aprecian reminiscencias de música de jazz y blues. Su armonía es totalmente cromática, aunque con algunas fórmulas tonales, sobre todo en las cadencias. Su música empezó a ser apreciada a partir de la década de 1970, y ha tenido gran influencia en compositores como el húngaro Györg y Ligeti. Conlon Nancarrow finalmente muere en 1997 en la Ciudad de México.

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Manuel Esperón González

Es considerado el músico más prolífico de la época de Oro del Cine Mexicano. Su madre era pianista clásica, se llamaba Raquel González Cantú, pertenecía a una familia aristocrática y sus bisabuelos eran franceses, yucatecos y regiomontanos. Por lo que desde muy niño mostró disposición y talento para la música, estudió en la Academia de San Carlos y posteriormente en la Escuela Superior de Música del Instituto Nacional de Bellas Artes. Inició su carrera en la industria cinematográfica como pianista en las salas de cine mudo, después fue arreglista y orquestador de la música que componían otros autores en el naciente cine sonoro. En poco tiempo logró gran reconocimiento y así llegó a ser director musical de cerca de 500 películas. Fue paralelamente director artístico de varias estaciones de radio. Su música sigue siendo interpretada por los cantantes vernáculos y grupos de mariachis así como por tríos de boleristas e incluso cuenta con arreglos para orquestas sinfónicas. Ha recibido innumerables reconocimientos por su trayectoria en México así como en las ciudades estadounidenses de San Antonio, Texas y Los Ángeles, California. En el año 2001 se le hizo un homenaje en el Palacio de Bellas Artes en el Centro Histórico de la Ciudad de México. Hoy es presidente honorario vitalicio de la Sociedad de Autores y Compositores de México, pese a su actual debilidad visual. Algunas de las canciones más famosas son: No volveré, Cocula, Flor de Azalea, Me he de comer esa tuna, Amorcito corazón, ¡Ay Jalisco no te rajes! Amor con amor se paga, Esos altos de Jalisco, Fiesta mexicana, Noche plateada, Amor de mi amor, fue casualidad, muñeco de cuerda, Tema de amor, Yo soy mexicano, Mi cariñito, Mía, etc.

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Rodolfo Halffter (1900-1987)

Fue compositor español nacionalizado en México, donde se exilió después de la Guerra Civil Española. Fue el primer miembro de una familia de músicos españoles. Hermano del compositor Ernesto Halffter y tío del también compositor Cristóbal Halffter. Estudió en el Conservatorio de Madrid aunque como compositor fue autodidacta. Formó parte del círculo de intelectuales de Madrid de los años 30 del siglo XX y fue miembro activo del grupo de compositores conocido como Grupo de los Ocho o Grupo de Madrid. Fue en este periodo de su vida cuando Halffter compuso sus obras más importantes, al mismo tiempo trabajaba como crítico musical del diario de Madrid, La Voz, y como secretario de música del Ministerio de Propaganda del gobierno republicano, por lo que tuvo que exiliarse al concluir la Guerra Civil Española. Al terminar la guerra civil, Rodolfo Halffter se trasladó a México con su familia, justo cuando el nacionalismo estaba declinando, y siendo ya un compositor con experiencia, nunca incluyó mexicanismos en su música. Su primera composición la tocó en Madrid en 1930, Dos Sonatas del Escorial (1928), en un homenaje a Antonio Soler. Su obra más famosa de la década de los treinta es su ballet Don Lindo de Almería. En México obtuvo la plaza de profesor de análisis musical en el Conservatorio Nacional de Música y fue director de las Ediciones Mexicanas de Música. Después fundó una compañía de ballet en 1940, la primera del país en música y ballet contemporáneos. Seis años después fue nombrado director de la revista Nuestra Música donde se hizo un manifiesto para crear "Los conciertos de los Lunes" donde se tocaban obras contemporáneas, con el fin de que los compositores mexicanos pudieran hacer oír sus obras. Halffter introdujo la música dodecafónica en México con Tres piezas para orquesta en 1953. Su dodecafonismo es comparativamente tonal, ya que usa constantes repeticiones melódicas, armónicas y de acordes. A partir de 1963, Halffter regresó a España en varias ocasiones, siendo profesor de importantes cursos en Granada y Santiago de Compostela y participante en los festivales de música y temporadas de conciertos de Cuenca y de Madrid. En 1986 recibió el Premio Nacional de Música de España.

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Silvestre Revueltas (1899-1940)

Compositor del movimiento nacional de música sinfónica, violinista y director de orquesta mexicano. Nació en Santiago Papasquiaro (Durango). Hermano mayor de una familia grande con personajes importantes de la vida cultural mexicana, como Fermín Revueltas (pintor y muralista), José Revueltas (escritor, novelista y guionista), Consuelo Revueltas (pintora) y Rosaura Revueltas (actriz). Estudió en el Conservatorio Nacional de Música de la Ciudad de México, en la Universidad de St. Edward’s en Austin (Texas) y en el Chicago College of Music. Dio recitales de violín y en 1929 fue invitado por Carlos Chávez para convertirse en director de la Orquesta Sinfónica de México, cargo que ocupó hasta 1935. Posteriormente viajó a España y trabajó con los republicanos en la Guerra Civil Española, pero luego de la victoria de Franco, regresó a México para dedicarse a la docencia. Pero como no ganaba suficiente dinero para mantenerse, cayó en la pobreza y alcoholismo. Falleció por neumonía a la edad de 40 años, el mismo día del estreno de su ballet El renacuajo paseador, compuesto siete años antes. Sus restos se conservan en la Rotonda de los Hombres Ilustres, en la Ciudad de México. Revueltas compuso música para películas, de cámara, canciones y algunos otros trabajos. Dentro de su música orquestal incluye poemas sinfónicos; el más conocido es Sensemayá (1938), basado en el poema de Nicolás Guillén. Su lenguaje musical es tonal pero en ocasiones disonante, con vitalidad rítmica, y con frecuencia con un sabor distintivamente mexicano.

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Rodrigo González (1950-1985)

Fue un músico mexicano conocido con el sobrenombre de “Rockdrigo”. Nació el 25 de diciembre de 1950 en Tamaulipas y radicó en la ciudad de México durante los últimos años de su vida. Es considerado el principal exponente del Movimiento Rupestre, un núcleo de artistas importante para la historia del rock mexicano. Recientemente su hija Amanda Lalena inició actividad musical bajo el pseudónimo de Amandititita. Rodrigo González estudió en los colegios Federico Froebel y Félix de Jesús Rougier. Se nutrió desde su infancia y adolescencia de la tradición musical de la huasteca tamaulipeca y del rock en lengua inglesa, por la cercanía con la frontera estadounidense. Luego de escuchar a Bob Dylan aprendió a tocar la armónica y a reafirmar los conocimientos que obtuvo de guitarra con clases privadas. Sus constantes viajes tanto a los Estados Unidos como al Distrito Federal nutrieron sus preferencias artísticas e influencias. No está demás mencionar que tenía un gran conocimiento de literatura universal, además de una gran afición por ciertas manifestaciones de la cultura popular mexicana. Hacia 1977 viajó a la ciudad de México a tocar en bares y cafés, donde se avecindó hasta su muerte. En un principio sobrevivió cantando canciones suyas o de otros en las calles de la ciudad con el único propósito de “ver qué pasaba, a nivel vivencial, siendo músico callejero”. Poco a poco se fue ganando el aprecio de la gente y comenzó a desarrollar una obra propia a partir de las experiencias de la calle. Con el tiempo logró trabajar al lado de Javier Bátiz en un bar de la glorieta de Insurgentes llamado Wendy’s Pub, alternando con muchos grupos, entre ellos el legendario Grupo Dama. Al principio muchos músicos reprobaban “la clara imitación” de la imagen y sonido de Bob Dylan que hacía Rockdrigo, pero con el tiempo la figura del músico tamaulipeco ha permanecido en el recuerdo colectivo de los músicos de la escena subterránea en México por sus propios méritos. La última presentación que realizó fue horas antes del terrible terremoto del 85 en la capital mexicana. Su departamento estaba ubicado en un edificio de la calle de Bruselas, hoy el Café de los Psicólogos. Tras su muerte, Rodrigo se volvió una figura emblemática para la escena musical underground en México, debido a la originalidad de su obra.

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La más popular de sus canciones es No tengo tiempo de (cambiar mi vida), una canción que se escucha en muchas partes de México, en la versión hecha por banda Heavy Nopal.

Genaro Codina Fernández

Fue un compositor nacido en Zacatecas el 10 de Septiembre de 1852. Fue inscrito en un prestigiado colegio dirigido por el profesor Luis Galindo. Desde muy pequeño comenzó a mostrar su vocación por la música, comenzó a tocar varios instrumentos, entre ellos el arpa, que era el que mejor ejecutaba. Contrajo matrimonio con Mariana González, con quien tuvo dos hijas. Posteriormente realizó una marcha a Porfirio Díaz en 1887, el entonces Presidente de la República, quien en agradecimiento lo nombró Contador de la Jefatura de Hacienda en Zacatecas. Por cuestiones políticas, cayó en prisión varias veces, pero siempre tuvo consigo su arpa, con la cual compuso muchas de sus obras. Genaro tenía un grupo de amigos con los que siempre se juntaba, entre ellos estaba Fernando Villalpando, el director de la banda municipal, famoso por su Marcha Fúnebre González Ortega. En una ocasión, Genaro Codina y Fernando Villalpando se retaron para ver quién podía componer la mejor marcha. Los demás amigos dijeron que ésta debía ser titulada Zacatecas y fijaron una fecha para que la tuvieran lista. Llegó el día fijado y ambos compositores presentaron su Marcha Zacatecas. Villalpando fue el que primero presentó su obra, la cual a pesar de ser algo simple gustó mucho al círculo de amigos. Luego le siguió Codina para presentar lo que había compuesto y al hacerlo, gustó tanto a los que lo escucharon, que al instante votaron por ésa por ser la mejor de las dos. No imaginó que sería la obra más importante de su carrera. Poco después, Villalpando cambió el nombre a la suya por el de Marcha Aréchiga, en honor al Gobernador de Zacatecas Jesús Aréchiga. Codina hizo lo mismo con la suya, pero finalmente quedó con el nombre de Marcha Zacatecas. La marcha fue ejecutada por primera vez en el hospicio de niños como tema de examen por la banda de la misma institución, teniendo como director al profesor Arturo Elías, autor de una de sus versiones. Posteriormente fue tocada por una banda típica que estaba integrada únicamente por señoritas, dirigida por el profesor Primitivo Calero, en un concierto del Teatro de la Ciudad, en el mes de Abril de 1983. Después de eso fue dada a conocer al público en general en el Estado de Zacatecas, en una de las serenatas tradicionales que eran efectuadas en la Plaza de Armas. En esa ocasión la Marcha Zacatecas fue interpretada por dos bandas, la del Estado de Zacatecas, dirigida por el maestro Villalpando, autor de una de las versiones instrumentales de la marcha, y por la Banda de Guerra del Hospicio para Niños. Desde esa ocasión la marcha quedó como el Himno del Estado de Zacatecas. Se hizo popular alrededor del mundo, a tal grado, que Benito Musolini la incluyó en el repertorio de las fiestas importantes en Italia. Compuso muchas obras durante toda su vida, aunque ninguna alcanzó la popularidad de su Marcha Zacatecas. Algunas de sus obras fueron las marchas: Porfirio Díaz, Patria Mía y México; la polka Las Típicas Zacatecanas; los chotises: Ayes del Alma, Carmen, Recuerdos, Emma, Lazo Nupcial, Presentimiento y El Sueño de la Inocencia; las mazurcas: Chére Amí, Felicitación, Una Confidencia, Canastilla de Bodas y Elena; los valses: Primavera de la Vida, Como un Sueño, Culto a lo Bello, Sueño Dorado, Idilio, Fraternidad y Recuerdo a Durango. Las danzas: Acacia, Los Ojos de Luz, Lola, Propaganda Musical, Grato Recuerdo, En el Silencio de la Noche, Luz y Herlinda, Ensueños, Sonrisas y Llanto, Oralia, Dime que sí, Carcajada, Amor, étc. Falleció el 22 de Noviembre de 1901, aunque la prensa lo dio a conocer hasta después de algún tiempo. En 1932, el Ayuntamiento de la Ciudad de Zacatecas mandó poner una placa en la casa donde él vivió, en el número 16 de la calle de la Compañía, desde ese momento cambió de nombre la calle por el de este destacado compositor. Sus restos descansan en el Mausoleo de los Hombres Distinguidos Zacatecanos, en el Panteón de la Purísima.

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Eduardo Mata (1942-1995)

Fue un reconocido director de orquesta y compositor mexicano. Antes de entrar al Conservatorio Nacional de Música tomó durante tres años lecciones privadas de guitarra. De 1960 a 1963 estudió composición con Carlos Chávez. En 1964 recibió la beca Koussevitzky para ir a Tanglowood, donde estudió dirección con Max Rudolf y Erich Leinsdorf, y composición con Gunther Schuller. También compuso varias obras en los años 1950 y 1960, incluyendo tres sinfonías, música de cámara, varias sonatas y algunas piezas de ballet. En 1965 fue nombrado director del Departamento de Música de la UNAM y director de la Orquesta de Guadalajara. También dirigió la orquesta de la universidad, que posteriormente se convirtió en la Orquesta Filarmónica de la UNAM (OFUNAM). En 1972 dejó México para dedicarse a la dirección de la Orquesta Sinfónica de Phoenix. Entre 1977 y 1993 fue el director musical de la Orquesta Sinfónica de Dallas y director invitado de renombradas orquestas europeas, latinoamericanas y de EU. Grabó más de cincuenta discos, muchos de ellos con la Orquesta Filarmónica de la UNAM, Dallas Symphony Orchestra y la London Symphony Orchestra. También, muchas de las grabaciones incluyen piezas de compositores latinoamericanos. Contribuyó así mismo a fomentar la calidad, el talento y el renombre del Sistema de Orquestas Juveniles de Venezuela, especialmente junto a la Orquesta Sinfónica Simón Bolívar. La mañana del 4 de enero de 1995, Mata y un pasajero viajaban en un aeroplano por la ruta que conduce de Cuernavaca a Dallas. Matas era el piloto de su propia nave, un Piper Aerostar. Uno de los motores falló justo después del despegue y el aeroplano se estrelló en un intento por realizar un aterrizaje de emergencia. No hubo sobrevivientes.

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Cuarteto eduardo mata interpretando "serpiente" de carlos salomon en el teatro alcala jul 2008

Ángela Peralta (1845-1883)

Fue cantante y compositora de ópera nacida en la ciudad de México el 16 de junio de 1845. Desde pequeña tuvo inclinaciones artísticas, y a los 8 años cantó: “La Cavatina”, de Donizetti y a los 15, cuando terminó sus estudios musicales en el Conservatorio Nacional de Música, se presentó por pirmera vez y con gran éxito, interpretando “El trovador”, en el Teatro Nacional. Posteriormente viajó a Europa en 1861, ahí la llamaron por primera vez “El ruiseñor mexicano”. Su triunfo inaugural en el Viejo Continente llegó la noche del 13 de mayo de 1862, cuando interpretó “Lucía de Lammermoor” en la Scala de Milán. Terminada la temporada en ese teatro, recorrió los principales coliseos de Milán, Turín, Lisboa, Alejandría, Génova, Nápoles, San Petersburgo, Madrid y Barcelona. Terminó su gira artística de regreso a América, donde actúo ante los públicos de Nueva York y La Habana. Luego regresó a México en 1865. A sus 20 años de edad ya había conquistado los principales escenarios europeos con su privilegiada voz. El 29 de enero de 1866 cantó para los emperadores Maximiliano y Carlota. A cambio de tal condescendencia se le nombró "Cantarina de cámara del imperio". Un año después, el Ruiseñor cantó en el puerto de Veracruz “I Puritani” de Bellini, a beneficio del fomento de la guerra contra el invasor. Tiempo después, Ángela Peralta contrajo matrimonio con su primo hermano Eugenio Castera, a quien señalan culpable de la infelicidad en la vida íntima de la cantante, a causa del mal mental que empezó a padecer Castera al año de su matrimonio. Mientras fue esposa, Peralta se dedicó a componer una serie de obras breves de extraordinaria sencillez. En 1876, la enfermedad de Castera le impidió realizar sus giras proyectadas y tuvo que recluirlo en un hospital parisiense, en el cual murió en marzo de ese año. En 1879, Ángela Peralta vio cómo declinaba su éxito por sostener relaciones amorosas con su empresario el Julián Montiel y Duarte. El ruiseñor mexicano empezó a sufrir la indiferencia del público y su temporada fue un verdadero fracaso, enfermando de pena y agotamiento. Al año intentó reconquistar a su publico, pero todo fue en vano. Descansó tres años, tenia que reponerse de los golpes morales, artísticos y económicos que habían minado su salud y su ánimo. En 1883, Ángela Peralta reanudó sus giras. Lo hizo por el interior de la república, seguida por un grupo de jilgueros italianos de dudosa categoría. Procedente de Guaymas (Sonora) y La Paz (Baja California), en cuyo teatro improvisado en un patio cantó por última vez la ópera María de Rohan, llegó a Mazatlán el 22 de agosto de 1883. Su compañía estaba integrada por 80 artistas, en su mayoría italianos. Al día siguiente, el 23 de agosto, la compañía hizo su presentación con la ópera de Verdi “El trovador”, debutando el tenor de fuerza Fausto Belloti ante escaso público, pues corrían alarmantes rumores sobre la propagación de la fiebre amarilla. En los primeros días de la semana, la enfermedad, que en la ciudad fue conocida con el nombre de "níquel", se desarrolló de una manera alarmante. La compañía suspendió sus funciones a causa de haberse enfermado una gran parte de las personas que la componían, entre ellas la señora Peralta. El mal se ensañó con los miembros de la compañía a tal grado, que de los 80 que la integraban sólo seis quedaron, entre ellos la soprano Zopilli y la contralto, señora Saborini. Ángela Peralta falleció el 30 de agosto de 1883, casándose en articulo mortis con su amante, don Julian Montiel y Duarte. Se vistió el cadáver con ropa de alguno de los personajes que en vida había interpretado la diva mexicana y, según se dijo entonces, también se le colocaron sus mejores joyas. El 11 de abril de 1937 sus restos fueron exhumados para ser trasladados al panteón civil de la Ciudad de México. Entre la tierra y trozos de madera no se encontró ni una sola alhaja, ni un simple dije. Sólo unas chinelas y restos de cabellera castaña.

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Consuelo Velázquez (1920-2005)

Fue una pianista y compositora mexicana que nació el 21 de agosto de 1920 en Ciudad Guzmán, Jalisco. Desde pequeña dio muestras de sus grandes dotes musicales, pues a los cuatro años tocó el piano sin haber tomado clases, y a los seis ofreció su primer recital en la Academia de Serratos. Sus maestros fueron Ramón Serratos y Aurora Garibay, con quienes se trasladó a la ciudad de México para estudiar en el Conservatorio Nacional y el Palacio de Bellas Artes, donde se recibió como Pianista de Concierto en el año de 1938. Posteriormente se incorporó a la radiodifusora XEQ como ejecutante de música clásica. Ahí conoció a Mariano Rivera Conde, entonces director de programación y con quien se casó el 25 de octubre de 1944. Velázquez continuó con su carrera formal en la música clásica, al mismo tiempo creó melodías en secreto, mismas que, tiempo después, se volvieron populares gracias a su capacidad de expresar lo que sólo se puede decir a través de una canción. Su primera creación fue Bésame mucho, misma que la consagró como una de las mejores compositoras del mundo. Logró conquistar a todo el mundo, esta canción se creó en plena Segunda Guerra Mundial y desde entonces es la canción mexicana más conocida, tocada, grabada y traducida a nivel internacional. Ha sido la única canción mexicana que ha permanecido 12 semanas en el primer lugar del Hit Parade de Estados Unidos. La canción ha sido traducida a 20 idiomas, con mil versiones distintas, cantada pro los mejores intérpretes del mundo, entre los que destacan The Beatles, The Morton Gold Orchestra, Andy Russell y Emilio Tuero, el primero que la grabó. Esta composición también ha sido utilizada como tema para varias películas nacionales y extranjeras como A toda máquina, The moon over parador, Sueños de Arizona y Moscí no cree en lágrimas, la cual ganó el Oscar a la mejor película extranjera. Consuelo Velázquez también es autora de Al nacer este día, Anoche, Aunque tengas razón, Cachito, Déjame quererte, No me pidas nunca, Pensará en mí, Amar y vivir, Los pequeños detalles, Volverás a mí, Yo no fui, entre muchas otras. La compositora fue también diputada Federal; presidenta de la Sociedad de Autores y Compositores de México, así como vicepresidenta de la Confederación Internacional de Sociedades de Autores y Compositores, a la que pertenecen 44 países. Entre los galardones a los que fue acreedora se encuentran el del Consejo Panamericano de la CISAC, el reconocimiento como hija predilecta de Ciudad Guzmán, Jalisco, y el Spacial Citation of Achievment Award otorgado por la Broadcast Musica Incorporated de Estados Unidos. De igual forma representó a México en los festivales internacionales de Cancao Popular Do Río de Janeiro y en el de Música de Moscú. En 1999 fue invitada a Puerto Rico, donde se le entregó el premio Grandeza de la Mujer Latina, y ese mismo año recibió el galardón Lo Nuestro, otorgado por Univisión en Miami, Florida, mientras que Bésame mucho fue declarada La canción del siglo. Además, recibió la presea Emilio Azcárraga Milmo, a la excelencia profesional. Finalmente muere a los 84 años, el 22 de enero de 2005 en el hospital Médica Sur del DF a causa de complicaciones que tuvo por una caída tres meses atrás.

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Consuelo Velázquez interpreta

Bésame mucho

Vicente Garrido

Vicente Garrido ha sido bautizado por algunos como el creador del bolero moderno en México, además de formar parte del grupo del “feeling”, movimiento del bolero nacido en Cuba. Vicente Garrido nació en la colonia Roma de la Ciudad de México en 1924, dentro de una familia de artistas. En 1944 debutó profesionalmente como pianista en la radiodifusora XEFO. Dos años después se integró al grupo musical “Los Excéntricos del ritmo” y tres años más tarde debutó como conductor del programa radial en la XEQ “Regalos musicales”, hasta 1953. Gracias a sus aportaciones al bolero mexicano, Garrido se ubicó entre grandes poetas de la canción como Agustín Lara, Gabriel Ruiz, Gonzalo Curiel y Mario Ruiz Armegol. Vicente Garrido tenía amplios conocimientos literarios y un dominio de la métrica poética, misma que dejó ver en sus canciones, pues desde pequeño convivió con escritores de la estirpe de Carlos Péllicer, Francisco Morterde y Alfonso Reyes en las tertulias organizadas por su padre. Vicente Garrido se ha convertido en una tradición en la vida musical de México y una figura clave de la música contemporánea en Latinoamérica y más allá de sus fronteras. Por esa razón, en el año 2002 el Centro Nacional de las Artes (Cenart) le rindió un tributo en su Auditorio Blas Galindo. Las creaciones de Vicente Garrido han sido interpretadas por artistas de fama internacional como Lucho Gática, Olga Guillot, Pedro Vargas, Amparo Montes, Daniel Riolobos, Fernando Fernández, Los Tres Ases, Nat King Cole, Bola de Nieve, Pablo Milanés, Tania Libertad y ahora por Luis Miguel, quien ha difundido los temas No me platiques más y Todo o nada a nivel mundial. En el 2003 Vicente Garrido murió a los 79 años de una insuficiencia cardiaca.

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Tú me olvidas

Chava Flores (1920-1987)

Chava Flores fue conocido cono un compositor y cantante mexicano. Nació en el barrio de “La Merced”, en el centro histórico de la Ciudad de México. Flores es considerado como uno de los más grandes compositores mexicanos de música popular en el siglo XX. Se le podía nombrar de distintas maneras: Cronista musical de la Ciudad de México, compositor festivo de México y folclorista urbano, entre otras. Mas él prefería ser nombrado como el Hacedor de Canciones. Su padre murió en 1933, por lo que tuvo que comenzar a trabajar para contribuir al sostenimiento de su familia. Trabajó como costurero, cobrador, contador (sin título), dueño de una tienda de ropa, ferretero, repartidor de carne, y trabajador en una imprenta, donde además dio sus primeros pasos como compositor y cantante. En 1986 Chava se mudó a Morelia, Michoacán. Escribió en 1951 Dos horas de balazos, su primera canción en llegar a la radio, inspirada en las películas del lejano oeste. Después escribió La tertulia, y ambas canciones fueron grabadas por RCA Víctor en 1952. También actuó en carpas y cabarets de la ciudad, ganando fama en el resto del país, en América Latina y en Estados Unidos. En 1976 grabó siete discos de larga duración y fue dueño de la disquera Algeleste. Apareció en siete películas del cine mexicano: Mi influyente mujer, La esquina de mi barrio, Rebeldes sin causa, Bajo el cielo de México, El correo del norte, La máscara de la muerte y ¿A qué le tiras cuando sueñas mexicano?, donde actuó al lado de Luis de Alba. Incluso sus canciones aparecieron cantadas en otras películas en voz de actores como Germán Valdés y Pedro Infante. En 1986 se mudó a la ciudad de Morelia, Michoacán, donde tenía un programa de televisión. Al año siguiente se trasladó a la Ciudad de México por una urgencia médica, que le llevó a la muerte pocos días después, el 5 de agosto de 1987. Sus canciones reflejan un profundo conocimiento del folclor de la Ciudad de México a mediados del siglo XX, por lo que parodia a la sociedad y las actividades cotidianas. Su popularidad fue tal que frases enteras de sus canciones forman parte del lenguaje popular, o simplemente se han convertido en dichos populares aplicables a la vida diaria, como “A qué le tiras cuando sueñas mexicano”, “Sábado Distrito Federal”, y “Llegaron los gorrones”.

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Carlos Chávez (1899-1978)

Carlos Chávez fue un compositor, director de orquesta, profesor y periodista mexicano. Su abuelo paterno, José María Chávez, gobernador de Aguascalientes, México, fue ejecutado por orden del Emperador Maximiliano en 1864, y su padre, Agustín Chávez, quien inventó un tipo de arado que fue fabricado y utilizado en los Estados Unidos, murió cuando Carlos tenía sólo tres años. Carlos recibió sus primeras lecciones de piano de su hermano Manuel. Posteriormente estudió piano con Asunción Parra, Manuel Ponce y Pedro Luis Ozagón, y armonía con Juan Fuentes. En 1916, Chávez y sus amigos fundaron un periódico cultural, Gladios, lo cual condujo a Chávez hasta el diario El Universal de la Ciudad de México en 1924. Chávez se convirtió en uno de los primeros exponentes de la música nacionalista mexicana, una vez terminada la Revolución Mexicana, especialmente con suites de ballet con temas aztecas. En 1922, Chávez se casó con la pianista Otilia Ortiz y viajan de luna de miel a Europa, donde conoció a Paul Dukas. Tiempo después viajó con su esposa a Estados Unidos, donde el compositor vivió desde 1926 hasta 1928, escribiendo música y dirigiendo orquestas. A su regreso a México, Chávez fue nombrado director de la Orquesta Sinfónica Mexicana, que luego se llamaría “Orquesta Sinfónica de México”, primera orquesta permanente del país, fundada por miembros del Sindicato de Músicos de la República Mexicana. Chávez logró que la orquesta hiciera una gira por las zonas rurales del país y que representó el estreno de innumerables obras de compositores de diferentes época y nacionalidades, aunque poniendo especial énfasis en la difusión de la música mexicana moderna. Posteriormente fue nombrado director del Conservatorio Nacional de Música en 1928, donde dirigió proyectos para coleccionar música folclórica. Después de que Arturo Toscanini dejara la Orquesta Sinfónica de la Radio NBC en 1938, Chávez la dirigió en una serie de conciertos con ese grupo. En 1940 produjo algunos conciertos en el Museo de Arte Moderno de New York, incluyendo nueva música de compositores de México, América del Sur, Estados Unidos y Europa. Desde 1947 hasta 1952, Chávez fue director general del Instituto Nacional de Bellas Artes. En 1947 formó la Orquesta Sinfónica Nacional, que sustituyó a la OSM como principal orquesta de México. Chávez también dedicó tiempo a la enseñanza de las técnicas de composición musical, formando dos generaciones de compositores en el Conservatorio Nacional de Música. Fue autor de uno de los primeros textos sobre música electrónica que se haya escrito: Hacia una nueva música en 1935 y a él se debe la creación del Instituto Nacional de Bellas Artes de México. En sus escritos, Chávez enfantiza la creación de un “arte útil”. Un arte que debería ser útil para las masas sin discriminación de clases sociales. El arte según Chávez, no es lujo ni privilegio. Realizó conciertos para las clases obreras y separó a la música como eficaz e ineficaz. En sus talleres de compositor, los alumnos realizaban sus trabajos con las melodías autóctonas y populares a través de instrumentos indígenas y prehispánicos. Chávez se preocupó por el aspecto científico-artístico de la música popular mexicana. Insistió en que los músicos mexicanos estaban obligados a conocer su tradición. Finalmente, Carlos Chávez murió el 2 de agosto de 1978.

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Jaime Nunó (1824-1908)

Jaime Nunó, compositor nacido en San Juan de las Abadesas, una localidad de Gerona, en Cataluña, España. Hijo de Francisco Nunó y Magdalena Roca, quienes fallecieron antes de que Nunó cumpliese los nueve años. Posteriormente quedó bajo la tutela de su tío Bernardo, un comerciante de sedas de Barcelona que financió sus estudios musicales en la ciudad condal. Ahí demostró sus aptitudes como solista en la catedral de la ciudad, tras lo cual se ganó una beca para estudiar con el compositor Severio Mercadante en Italia. Cuando regresó a Barcelona fue nombrado director de la Banda del Regimiento de la Reina en 1851 y viajó con ellos a Cuba, donde conoció al ex presidente mexicano Antonio López de Santa Anna. Cuando Santa Anna regresó a México para ocupar de nuevo la presidencia, invitó a Jaime Nunó a encabezar las bandas militares mexicanas en 1853. Su llegada coincidió con la convocatoria al concurso nacional para componer el himno nacional de México. De esta forma, Nunó participó musicalizando las estrofas compuestas por el poeta mexicano Francisco González Bocanegra y el 12 de agosto de 1854 fue declarado triunfador. Posteriormente emigró a los Estados Unidos tras la caída del presidente Santa Anna. Ahí trabajó como concertista y director de óperas, de las cuales una de ellas lo llevó de gira por todo el continente americano en 1864. Después viajó a Estados Unidos para establecerse en Nueva York, pero fue redescubierto por un periodista mexicano en el año de 1901. La noticia viajó a México, por lo que el entonces presidente Porfirio Díaz lo invitó al país donde recibió varios homenajes entre 1901 y 1904. Poco tiempo después, muere Jaime Nunó el 18 de julio de 1908 y en 1942 el gobierno mexicano mandó exhumar sus restos para trasladarlos a la Rotonda de los Hombres Ilustres ubicada en el Panteón Civil de Dolores de la ciudad de México, donde aún reposan.
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Juventino Rosas (1968-1894)

Compositor y músico mexicano que nació en Santa Cruz, Guanajuato. Desde niño, Juventino mostró una gran disposición y talento para el aprendizaje de la música, siendo inducido y enseñado por su padre a tocar el violín, su instrumento favorito. Trabajó como campanero, violinista y cantor en la Iglesia de San Sebastián en el barrio de Tepito. Luego formó parte del grupo de los hermanos Aguirre y posteriormente de los hermanos Elvira, el cual dejó al morir su padre y su hermano mayor, consecuencia de una riña durante una fiesta en que tocaban. En 1885 se inscribió en el Conservatorio Nacional de Música para estudiar solfeo y teoría musical. Escribió Te volví a ver, Seductora, Sueño de las Flores y Ensueño. También escribió un vals denominado Carmen para la señora Carmen Romero, esposa del presidente Porfirio Díaz, el cual llevó el control de la orquesta durante su cumpleaños. En 1888 escribió la marcha Cuauhtémoc y la obra que lo llevó a la inmortalidad, Junto al manantial, que fue rebautizada como Sobre las olas, inspirada en un río que cruza, en aquel entonces, pueblo de Contreras, hoy Magdalena Contreras. El presidente Díaz le regaló un piano gracias a su éxito musical, mismo que vendió para pagar sus deudas, al igual que los derechos de autor de Sobre la solas a la casa Wagner y Levien solamente por 45 pesos. Rosas perteneció a la compañía de ópera de Ángela Peralta y una compañía de zarzuela que viajó a Cuba. En 1894 Juventino Rosas muere a los 26 años de edad en el último rincón de Cuba, atacado por la mielitis espinal. Años después, en 1909, el periodista Miguel Necochea y la Sociedad de Compositores Mexicanos llevan a cabo gestiones para exhumar y trasladar los restos de Juventino a México. Una vez en Veracruz, los restos del compositor fueron recibidos por Miguel Lerdo de Tejada y Ernesto Elorduy, también compositores. Uno de los vagones del Ferrocarril Mexicano se convirtió en capilla ardiente y las notas del vals se escuchaban por todos los lugares por donde pasaba el tren. Posteriormente fue sepultado en el Panteón civil de la ciudad de México y en 1939, es trasladado a la Rotonda de los Hombres Ilustres.

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