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martes, 7 de julio de 2009

Henry Mancini (1924-1994)


Compositor estadounidense de música para cine, jazz y de influencias latinas. Es reconocido por la música que lo hizo acreedor a un Grammy: La Pantera Rosa y por su colaboración en las comedias de Blake Edwards, en la que destaca la canción Moon River (Desayuno con diamantes). Inclusive fue el creador de los temas de varias series de televisión como La pantera rosa, Remington Steele, El pájaro espino o Peter Gunn, entre otras.

Henry comenzó a interesarse en la música desde los 12 años, iniciando en el piano y dentro pocos años comenzó a interesarse por los arreglos. Pero su necesidad de profundizar en sus conocimientos lo condujo hasta Max Adkins, director y arreglista de la orquesta del Stanley Theatre de Pittsburgh.

Poco después de graduarse en la Aliquippa High School, en el otoño de 1942, Mancini se matriculó en la Juilliard School of Music; más su aislamiento en 1943 interrumpió sus estudios. Sirvió en las fuerzas aéreas y después en infantería. Tras su licenciamiento, en 1945 se unió como pianista arreglista a la orquesta de Glenn Millar y Tex Beneke. Allí conoció a su esposa, Ginny O’Connor; una cantante. Se casaron en Hollywood en 1947 y se trasladaron a Holmby Hills, en California, con su hijo Chris y sus hijas Mónica y Felice.
En 1952 comenzó a trabajar en el cine en películas de serie B de los estudios Universal bajo las órdenes del director del departamento musical Joseph Gershenson. En estos años. Manzini, junto con Hans J. Salter y Herman Stein, todos músicos de la Universal, trabajaron sin cansancio con el fin de crear una gran cantidad de material que posteriormente sería usado y reutilizado en múltiples películas. Esta primera etapa de Manzini se caracteriza por un sonido sinfónico y atonal.

En 1958 firmó su primer trabajo como solista, pues sólo había figurado como coautor, adaptador, orquestador o, en ocasiones, sin ser acreditado. Este título fue la conocida obra maestra de Orson Welles Sed de Mal (Touch of Evil, 1958). Con esta obra, Mancini comenzó a definir su personalidad musical: jazz interpretado bajo una pequeña orquesta.

Esta melodía atrajo la atención del director Blake Edwards quien lo contrató para hacer la música de su serie de televisión Peter Gunn, para la cual Manzini creó un tema que se ha utilizado en multitud de películas, por ejemplo en Granujas a todo ritmo (The Blues Brothers, 1980) o Waterworld (1995). Este álbum vendió más de un millón de copias. Además de dos premios Grammies en 1958.

Alcanzó su máxima popularidad en los años 60, gracias a las películas de Edwards (La pantera rosa, Desayuno con diamantes, Días de vino y rosas y otras), pero también por su colaboración con otros grandes directores como Stanley Donen (Arabesco, Charada y especialmente Dos en la carretera) o Howard Hawks (Hatari!, Su juego favorito). En esta década Mancini aporta otras de sus señas de identidad: el coro mixto, que interpreta el tema principal de la película.

Se puede decir que es el primer compositor cinematográfico más conocido por el público que transcendió la pantalla debido a su preocupación y esmero por las ediciones discográficas de sus partituras, las cuales eran regrabadas para la explotación comercial sin que ello perjudicara su calidad.

Se dedicó a la televisión por las décadas de 1970 y 198, en ese tiempo creó temas muy conocidos como los de las series Hotel y Remington Steele. Ganó un Óscar en 1982 por su comedia musical Victor Victoria sumando cuatro en total, dado que ganó dos por Desayuno con diamantes (mejor canción y mejor partitura original) y otro por Días de vino y rosas (Days of Wine and Roses, 1962). Además de ganar 20 premios Grammy.

Hasta sus últimos años, Mancini siguió creando joyas musicales, algunas no lo suficientemente valoradas como Lifeforce (1985), Basil, el ratón superdetective (Adventures of the Great Mouse Detective) para los estudios Disney o Tom y Jerry (1992) otro film de animación. Curiosamente, en estas obras Mancini vuelve a sus raíces más sinfónicas.

Henry Mancini, una de las pocas y auténticas figuras de la música de cine, falleció en 1994 víctima de un cáncer de hígado y páncreas, dejando un inconmensurable legado musical.



martes, 28 de octubre de 2008

Conlon Nancarrow (1912-1997)


Fue un compositor mexicano de origen estadounidense. Entre 1933 y 1936 estudió con Walter Piston y Roger Sessions, entre otros. Las composiciones instrumentales de las décadas de 1930 y 1940 mostraron un interés por la complejidad rítmica, que lo condujo en 1947 a abandonar la composición vocal y dedicarse al órgano electrónico, instrumento que le permitía interpretar muchas notas simultáneas a cualquier ritmo, creando una música virtuosa fuera del alcance de cualquier pianista. Su música se caracterizó por el uso de la polifonía basada en estratos de tempos distintos. Nancarrow ha escrito más de 60 estudios para órgano electrónico. Como forma musical exploró el “canon” que desarrolló con una enorme variedad de formas y un tempo diferente para cada voz. Su trabajo puede dividirse en tres periodos: obras anteriores al piano mecánico, obras para piano mecánico y obras posteriores al piano mecánico. Nancarrow trabajó como trompetista de jazz en la década de 1930, por lo que en su obra se aprecian reminiscencias de música de jazz y blues. Su armonía es totalmente cromática, aunque con algunas fórmulas tonales, sobre todo en las cadencias. Su música empezó a ser apreciada a partir de la década de 1970, y ha tenido gran influencia en compositores como el húngaro Györg y Ligeti. Conlon Nancarrow finalmente muere en 1997 en la Ciudad de México.



martes, 21 de octubre de 2008

Manuel Esperón González


Es considerado el músico más prolífico de la época de Oro del Cine Mexicano. Su madre era pianista clásica, se llamaba Raquel González Cantú, pertenecía a una familia aristocrática y sus bisabuelos eran franceses, yucatecos y regiomontanos. Por lo que desde muy niño mostró disposición y talento para la música, estudió en la Academia de San Carlos y posteriormente en la Escuela Superior de Música del Instituto Nacional de Bellas Artes. Inició su carrera en la industria cinematográfica como pianista en las salas de cine mudo, después fue arreglista y orquestador de la música que componían otros autores en el naciente cine sonoro. En poco tiempo logró gran reconocimiento y así llegó a ser director musical de cerca de 500 películas. Fue paralelamente director artístico de varias estaciones de radio. Su música sigue siendo interpretada por los cantantes vernáculos y grupos de mariachis así como por tríos de boleristas e incluso cuenta con arreglos para orquestas sinfónicas. Ha recibido innumerables reconocimientos por su trayectoria en México así como en las ciudades estadounidenses de San Antonio, Texas y Los Ángeles, California. En el año 2001 se le hizo un homenaje en el Palacio de Bellas Artes en el Centro Histórico de la Ciudad de México. Hoy es presidente honorario vitalicio de la Sociedad de Autores y Compositores de México, pese a su actual debilidad visual. Algunas de las canciones más famosas son: No volveré, Cocula, Flor de Azalea, Me he de comer esa tuna, Amorcito corazón, ¡Ay Jalisco no te rajes! Amor con amor se paga, Esos altos de Jalisco, Fiesta mexicana, Noche plateada, Amor de mi amor, fue casualidad, muñeco de cuerda, Tema de amor, Yo soy mexicano, Mi cariñito, Mía, etc.

jueves, 16 de octubre de 2008

Marcela Bovio (1979)


Es una cantante mexicana nacida en Monterrey, N.L, México. Empezó a tocar el violín cuando era casi una niña, poco a poco se empezó a involucrar en el mundo del rock progresivo y la música clásica. Ha sido considerada como una de las mejores violinistas, inclusive también sabe un poco de flauta. A los 17 años empezó tocando covers, con el tiempo lideró las bandas Hydra y Elfonia en México, y en Europa como la cantante de la banda Stream of Passion. Entró a este grupo gracias al músico holandés Arjen Lucassen que se fijó en su voz. Marcela Bovio volverá a finales de año, o a principios del 2008 con un nuevo disco de Stream of Passion.


martes, 14 de octubre de 2008

Rodolfo Halffter (1900-1987)


Fue compositor español nacionalizado en México, donde se exilió después de la Guerra Civil Española. Fue el primer miembro de una familia de músicos españoles. Hermano del compositor Ernesto Halffter y tío del también compositor Cristóbal Halffter. Estudió en el Conservatorio de Madrid aunque como compositor fue autodidacta. Formó parte del círculo de intelectuales de Madrid de los años 30 del siglo XX y fue miembro activo del grupo de compositores conocido como Grupo de los Ocho o Grupo de Madrid. Fue en este periodo de su vida cuando Halffter compuso sus obras más importantes, al mismo tiempo trabajaba como crítico musical del diario de Madrid, La Voz, y como secretario de música del Ministerio de Propaganda del gobierno republicano, por lo que tuvo que exiliarse al concluir la Guerra Civil Española. Al terminar la guerra civil, Rodolfo Halffter se trasladó a México con su familia, justo cuando el nacionalismo estaba declinando, y siendo ya un compositor con experiencia, nunca incluyó mexicanismos en su música. Su primera composición la tocó en Madrid en 1930, Dos Sonatas del Escorial (1928), en un homenaje a Antonio Soler. Su obra más famosa de la década de los treinta es su ballet Don Lindo de Almería. En México obtuvo la plaza de profesor de análisis musical en el Conservatorio Nacional de Música y fue director de las Ediciones Mexicanas de Música. Después fundó una compañía de ballet en 1940, la primera del país en música y ballet contemporáneos. Seis años después fue nombrado director de la revista Nuestra Música donde se hizo un manifiesto para crear "Los conciertos de los Lunes" donde se tocaban obras contemporáneas, con el fin de que los compositores mexicanos pudieran hacer oír sus obras. Halffter introdujo la música dodecafónica en México con Tres piezas para orquesta en 1953. Su dodecafonismo es comparativamente tonal, ya que usa constantes repeticiones melódicas, armónicas y de acordes. A partir de 1963, Halffter regresó a España en varias ocasiones, siendo profesor de importantes cursos en Granada y Santiago de Compostela y participante en los festivales de música y temporadas de conciertos de Cuenca y de Madrid. En 1986 recibió el Premio Nacional de Música de España.


jueves, 18 de septiembre de 2008

Rodrigo González (1950-1985)

Fue un músico mexicano conocido con el sobrenombre de “Rockdrigo”. Nació el 25 de diciembre de 1950 en Tamaulipas y radicó en la ciudad de México durante los últimos años de su vida. Es considerado el principal exponente del Movimiento Rupestre, un núcleo de artistas importante para la historia del rock mexicano. Recientemente su hija Amanda Lalena inició actividad musical bajo el pseudónimo de Amandititita. Rodrigo González estudió en los colegios Federico Froebel y Félix de Jesús Rougier. Se nutrió desde su infancia y adolescencia de la tradición musical de la huasteca tamaulipeca y del rock en lengua inglesa, por la cercanía con la frontera estadounidense. Luego de escuchar a Bob Dylan aprendió a tocar la armónica y a reafirmar los conocimientos que obtuvo de guitarra con clases privadas. Sus constantes viajes tanto a los Estados Unidos como al Distrito Federal nutrieron sus preferencias artísticas e influencias. No está demás mencionar que tenía un gran conocimiento de literatura universal, además de una gran afición por ciertas manifestaciones de la cultura popular mexicana. Hacia 1977 viajó a la ciudad de México a tocar en bares y cafés, donde se avecindó hasta su muerte. En un principio sobrevivió cantando canciones suyas o de otros en las calles de la ciudad con el único propósito de “ver qué pasaba, a nivel vivencial, siendo músico callejero”. Poco a poco se fue ganando el aprecio de la gente y comenzó a desarrollar una obra propia a partir de las experiencias de la calle. Con el tiempo logró trabajar al lado de Javier Bátiz en un bar de la glorieta de Insurgentes llamado Wendy’s Pub, alternando con muchos grupos, entre ellos el legendario Grupo Dama. Al principio muchos músicos reprobaban “la clara imitación” de la imagen y sonido de Bob Dylan que hacía Rockdrigo, pero con el tiempo la figura del músico tamaulipeco ha permanecido en el recuerdo colectivo de los músicos de la escena subterránea en México por sus propios méritos. La última presentación que realizó fue horas antes del terrible terremoto del 85 en la capital mexicana. Su departamento estaba ubicado en un edificio de la calle de Bruselas, hoy el Café de los Psicólogos. Tras su muerte, Rodrigo se volvió una figura emblemática para la escena musical underground en México, debido a la originalidad de su obra.

La más popular de sus canciones es No tengo tiempo de (cambiar mi vida), una canción que se escucha en muchas partes de México, en la versión hecha por banda Heavy Nopal.

viernes, 5 de septiembre de 2008

Tambuco festeja sus XV años en el Cervantino



El cuarteto mexicano Tambuco, considerado como uno de los más importantes ensambles de percusión en el mundo, celebra sus XV años de carrera artística con dos conciertos en el Templo de la Valencia y el Teatro Manuel Doblado, como parte del 36 Festival Internacional Cervantino, donde se efectuarán estrenos mundiales de los compositores mexicanos María Granillo (1962), Héctor Infanzón (1959) y Alejandro Gómez Villagómez (1965).

La agrupación, conformada por Ricardo Gallardo, Alfredo Bringas, Miguel González y Raúl Tudón, ha preparado un programa que integra: Organika (2008), de Granillo; ...y la verdad los hará libres (2007), de Gómez Villagómez, y Hematofonía (2007), de Infazón.

Además, complacerán al público asistente con Die kunst der fuge y Contrapunctus I (BWV1080) del compositor alemán Johann Sebastián Bach; I Riti: Marcha Ritual y El funeral de Aquiles, del italiano Giacinto Scelsi, y Danza Isorrítmica, del mexicano Mario Lavista.

Tambuco ha obtenido dos nominaciones al GRAMMY como Mejor Álbum de Música Clásica y Mejor Ensamble de Cámara, por Carlos Chávez Complete Chamber Music. Entre sus siete producciones destaca Rítmicas, seleccionada por The Audiophile Audition como una de las mejores grabaciones realizadas en 1997.

El cuarteto se ha presentado en países como Estados Unidos, Japón, Francia, Portugal, Australia, Alemania, España, Italia, Cuba, Colombia, Brasil, Uruguay, Argentina y Canadá, lo mismo que en las principales salas de concierto de México.

En entrevista con los medios, Gallardo, director de Tambuco, ha definido al ensamble como “políglota porque las percusiones son una familia multicultural. Una Torre de Babel en la que los bongós, teponaxtlis o güiros de Latinoamérica se mezclan con gongs asiáticos, mientras tambores africanos no son ni latinas, ni asiáticas, ni africanas, ni europeas. La identidad global del ensamble de percusiones es más fuerte que la suma de su partes”.

El cuarteto Tambuco, Ensamble de Percusiones de México, presentará su concierto XV Años el jueves 23 de octubre a las 12:00 horas, en el Templo de la Valenciana, de Guanajuato, y al siguiente día, en el Teatro Manuel Doblado, de león, a las 20:00 horas, como parte del 36 Festival Internacional Cervantino.

miércoles, 27 de agosto de 2008

Jesse Pintado (1969-2006)



Fue un guitarrista nacido en México, pero a temprana edad se trasladó a los Estados Unidos. Su carrera inició en la banda Terroizer, quienes grabaron el álbum grindcore “World Downfall”. Posteriormente reemplazó al guitarrista Bill Steer formando inmediatamente parte de la banda Napalm Death para iniciar la grabación del álbum Harmony Corruption. En 2004 deja oficialmente Napalm Death y revive Terrorizer. Al mismo tiempo, tocaba junto con su ex compañero bajista de Napalm Death, Shane Embury, en la banda llamada Lock up. Con Terrorizer realizó en 2006 el álbum Darker Days Ahead. Así mismo se rumora que formó parte de la Grabación del Álbum Brujerizmo de la banda Brujería bajo el seudónimo “Cristo de Pisto”. Jesse Pintado vivió en Ridderkerk, Holanda. El trabajo de Pintado con Napalm Death fue definitivo para definir lo que es el sonido Grindcore actual y su influencia en las nuevas generaciones es total, además de sus aportes en Terrorizer, una banda de culto en la escena de la música extrema. Falleció el 27 de agosto del 2006 en un hospital holandés por un coma diabético.

miércoles, 20 de agosto de 2008

Consuelo Velázquez (1920-2005)


Fue una pianista y compositora mexicana que nació el 21 de agosto de 1920 en Ciudad Guzmán, Jalisco. Desde pequeña dio muestras de sus grandes dotes musicales, pues a los cuatro años tocó el piano sin haber tomado clases, y a los seis ofreció su primer recital en la Academia de Serratos. Sus maestros fueron Ramón Serratos y Aurora Garibay, con quienes se trasladó a la ciudad de México para estudiar en el Conservatorio Nacional y el Palacio de Bellas Artes, donde se recibió como Pianista de Concierto en el año de 1938. Posteriormente se incorporó a la radiodifusora XEQ como ejecutante de música clásica. Ahí conoció a Mariano Rivera Conde, entonces director de programación y con quien se casó el 25 de octubre de 1944. Velázquez continuó con su carrera formal en la música clásica, al mismo tiempo creó melodías en secreto, mismas que, tiempo después, se volvieron populares gracias a su capacidad de expresar lo que sólo se puede decir a través de una canción. Su primera creación fue Bésame mucho, misma que la consagró como una de las mejores compositoras del mundo. Logró conquistar a todo el mundo, esta canción se creó en plena Segunda Guerra Mundial y desde entonces es la canción mexicana más conocida, tocada, grabada y traducida a nivel internacional. Ha sido la única canción mexicana que ha permanecido 12 semanas en el primer lugar del Hit Parade de Estados Unidos. La canción ha sido traducida a 20 idiomas, con mil versiones distintas, cantada pro los mejores intérpretes del mundo, entre los que destacan The Beatles, The Morton Gold Orchestra, Andy Russell y Emilio Tuero, el primero que la grabó. Esta composición también ha sido utilizada como tema para varias películas nacionales y extranjeras como A toda máquina, The moon over parador, Sueños de Arizona y Moscí no cree en lágrimas, la cual ganó el Oscar a la mejor película extranjera. Consuelo Velázquez también es autora de Al nacer este día, Anoche, Aunque tengas razón, Cachito, Déjame quererte, No me pidas nunca, Pensará en mí, Amar y vivir, Los pequeños detalles, Volverás a mí, Yo no fui, entre muchas otras. La compositora fue también diputada Federal; presidenta de la Sociedad de Autores y Compositores de México, así como vicepresidenta de la Confederación Internacional de Sociedades de Autores y Compositores, a la que pertenecen 44 países. Entre los galardones a los que fue acreedora se encuentran el del Consejo Panamericano de la CISAC, el reconocimiento como hija predilecta de Ciudad Guzmán, Jalisco, y el Spacial Citation of Achievment Award otorgado por la Broadcast Musica Incorporated de Estados Unidos. De igual forma representó a México en los festivales internacionales de Cancao Popular Do Río de Janeiro y en el de Música de Moscú. En 1999 fue invitada a Puerto Rico, donde se le entregó el premio Grandeza de la Mujer Latina, y ese mismo año recibió el galardón Lo Nuestro, otorgado por Univisión en Miami, Florida, mientras que Bésame mucho fue declarada La canción del siglo. Además, recibió la presea Emilio Azcárraga Milmo, a la excelencia profesional. Finalmente muere a los 84 años, el 22 de enero de 2005 en el hospital Médica Sur del DF a causa de complicaciones que tuvo por una caída tres meses atrás.





Consuelo Velázquez interpreta


Bésame mucho

martes, 5 de agosto de 2008

Jorge Velazco (1942-2003)


Jorge Velazco nació el 12 de enero de 1942. Realizó parte de sus estudios en México bajo la dirección de Antonio Gomezanda, quien fue alumno de Ferruccio Busoni (en la Academia Prusiana de Artes), así como en Londres, con subsidio del Consejo Británico. En 1976 participó en el Seminario de Dirección de Orquesta que impartió Hebert Von Karajan, en Nueva York, y en 1978, fundó la Orquesta Sinfónica de Minería, la cual dirigió hasta 1985, cuando fue nombrado director artístico de la Filarmónica de la Universidad Nacional Autónoma de México (OFUNAM) por cuatro años. El músico estudió en la Accademia Musicale Chigiana de Siena, con una beca del Instituto Italo Latino Americano de Roma y dirigió en Europa desde 1976. Fue el único mexicano con un cargo musical en Berlín, además de ser director huésped principal de la Sinfonietta R.I.A.S., de Alemania, país donde grabó dos discos y ofreció diversos conciertos. También participó como director con la Deutsches Symphonie Orchester-Berlín, al frente de la cual grabó dos discos más, trabajos producidos y distribuidos por la empresa Koch-Klassiks para el mercado general europeo. Después firmó un contrato de grabación con el consorcio anglo-alemán VMS. De 1989 a 2003 fue director huésped principal de la Orquesta de Cámara de Florencia, que lo convirtió en el único intérprete hispanoamericano que ha ocupado un puesto artístico en Italia. Como pianista, Jorge Velazco ofreció muchos recitales, entre ellos participó como solista de la Orquesta Filarmónica de la UNAM, dirigido por Luis Herrera de la Fuente y Lukas Foss, con quien realizó el estreno en México de la “Fantasía India”, de Busoni. También fue invitado en numerosas ocasiones a dirigir orquestas estadounidenses de primera línea, entre ellas, la de Atlanta, Baltimore, Brooklyn, Houston, Lousille, Milwaukee, Sacramento y San Antonio. Fue catedrático del Conservatorio Nacional de Música e investigador del Centro Nacional de Investigación, Documentación e Información Musical “Carlos Chávez”, entre 1973 y 1984; así como profesor visitante de las universidades de Michigan, Phoenix, Houston, Colorado, Nevada, Wyoming y Oviedo. Desde 1975 fue investigador de la UNAM, para quien publicó varios libros, ensayos y traducciones. También colaboró para revistas especializadas de Estados Unidos, Venezuela y España. Ha sido el único intérprete mexicano que ha recibido la beca otorgada por la Fundación Guggenheim, de Nueva York. En 1989 fue director para México del Diccionario Enciclopédico de Música Española y la Sociedad General de Autores y Editores de España. Entre sus cargos administrativos, fue subjefe del Departamento de Música del Instituto Nacional de Bellas Artes, director de Actividades Musicales de la UNAM y subdirector general de Difusión Cultural de la referida Institución. En el año 2003, el músico fue internado para observación en un hospital, donde le sobrevino un infarto al miocardio el 5 de agosto. En ese mismo año, la Orquesta de Minería le rindió un homenaje de cuerpo presente en la sala de conciertos Nezahualcóyotl, del Centro Cultural Universitario.



miércoles, 9 de julio de 2008

Juventino Rosas (1968-1894)


Compositor y músico mexicano que nació en Santa Cruz, Guanajuato. Desde niño, Juventino mostró una gran disposición y talento para el aprendizaje de la música, siendo inducido y enseñado por su padre a tocar el violín, su instrumento favorito. Trabajó como campanero, violinista y cantor en la Iglesia de San Sebastián en el barrio de Tepito. Luego formó parte del grupo de los hermanos Aguirre y posteriormente de los hermanos Elvira, el cual dejó al morir su padre y su hermano mayor, consecuencia de una riña durante una fiesta en que tocaban. En 1885 se inscribió en el Conservatorio Nacional de Música para estudiar solfeo y teoría musical. Escribió Te volví a ver, Seductora, Sueño de las Flores y Ensueño. También escribió un vals denominado Carmen para la señora Carmen Romero, esposa del presidente Porfirio Díaz, el cual llevó el control de la orquesta durante su cumpleaños. En 1888 escribió la marcha Cuauhtémoc y la obra que lo llevó a la inmortalidad, Junto al manantial, que fue rebautizada como Sobre las olas, inspirada en un río que cruza, en aquel entonces, pueblo de Contreras, hoy Magdalena Contreras. El presidente Díaz le regaló un piano gracias a su éxito musical, mismo que vendió para pagar sus deudas, al igual que los derechos de autor de Sobre la solas a la casa Wagner y Levien solamente por 45 pesos. Rosas perteneció a la compañía de ópera de Ángela Peralta y una compañía de zarzuela que viajó a Cuba. En 1894 Juventino Rosas muere a los 26 años de edad en el último rincón de Cuba, atacado por la mielitis espinal. Años después, en 1909, el periodista Miguel Necochea y la Sociedad de Compositores Mexicanos llevan a cabo gestiones para exhumar y trasladar los restos de Juventino a México. Una vez en Veracruz, los restos del compositor fueron recibidos por Miguel Lerdo de Tejada y Ernesto Elorduy, también compositores. Uno de los vagones del Ferrocarril Mexicano se convirtió en capilla ardiente y las notas del vals se escuchaban por todos los lugares por donde pasaba el tren. Posteriormente fue sepultado en el Panteón civil de la ciudad de México y en 1939, es trasladado a la Rotonda de los Hombres Ilustres.

http://www.arts-history.mx/